LA VOZ DE LA ARTISTA

Materiales y Medios

Esta conversación fue editada por cuestiones de claridad y concisión.

“Mi nombre es María Magdalena Campos-Pons y esta conversación es sobre la exhibición Sea and Self (El Mar y Yo). En lo referente a los materiales y los medios para mis obras, en los últimos, digamos, 5 años más o menos, he puesto mucha atención en obras sobre papel, obras que son [bi]dimensionales. A la vez, he construido numerosas intervenciones interpretativas que exploran alguno de los materiales y algo del aspecto físico de la creación que fue tan importante en mi formación cuando era una artista más joven.

El primer medio que exploré y que me dio completa satisfacción fue la pintura. Y mi propio enfoque al cuestionar el significado de mis obras y la ubicación de las mismas me llevó a un tipo de investigación expansiva de materiales y medios. Nunca me quedaría en un sitio permanentemente, ni diría, “De aquí no me muevo”.

Cuando era joven, recibí muchas críticas por la diversidad de mi trabajo. Me considero una pensadora fluida y una creadora fluida. La versatilidad de lo que hago está constantemente relacionada con la versatilidad de cómo aprendo y cómo desarrollo mis propias percepciones y mi propia respuesta a "¿cuál es el significado de hacer arte"? Por eso, me siento tan feliz y tan flexible cuando trabajo con vidrio como cuando trabajo con acuarela, témpera y tinta. Estoy tratando de trabajar con materiales similares o diferentes y tratando de entender lo que significan entre sí.

Cuando quería hablar sobre el océano y el mar encontré dos formas. Elegí el color azul porque vi los asombrosos y magníficos colores de los murales renacentistas y quedé hipnotizada por cómo se hicieron. Y siempre me ha fascinado el azul del océano, de las costas de Cuba. Estaba tratando de ingeniármelas, ¿cómo represento esto? Entonces, opté por esta casi lujosa artificialidad de crear este cuadro azul en fotografía. Hablo de la exquisitez de ese medio porque las superficies de las fotografías Polaroid de 20 x 24 son casi como agua, tienen una densidad y una viscosidad en la superficie cuando salen de la cámara y son simplemente increíbles. Entonces, quería experimentar con eso, quería trabajar con materiales acuosos y la elegancia de las capas de acuarela y témpera.

Todo lo que quiero decir, todas las ideas que quiero compartir con el mundo [a través de mi arte] serán valiosas si realmente logro hacerlo a través de una estructura y un lenguaje que seduzca realmente al espectador. Tengo curiosidad de saber si quieren volver a ver [mi arte], si quieren quedarse unos minutos tratando de entenderlo. Una parte de la pregunta es: ¿cómo se hace esto? ¿de qué se trata? Y la otra parte es la curiosidad sobre cómo el arte visual representa y encapsula el mundo en una especie de materialidad que es evocadora y a la vez sueña con las posibilidades de ver algo e imaginar algo que está ahí en ese momento.

Estoy tratando de adentrar al espectador y a mí misma en la plasticidad, la belleza y las fuerzas evocadoras del océano. Pero también, la oscuridad y la dificultad, y el por qué me sentaba frente al océano cuando era joven y lloraba. La presencia abrumadora que para mí todavía tiene el océano se debe a que es historia. Hay una historia en el mar como decía Derek Walcott, que es ancestral. Está en un fragmento de ADN, de memoria. Capturar eso y hablar sobre eso y encontrar la materialidad y la visibilidad para eso es fundamental para mí. Siempre digo, somos humanos porque lo inscribimos en el arte. Debido a que logramos representarlo y logramos expresar deseos, anticipar ideas y cosas que no comprendemos, pero para empezar a discernir que necesitamos representarlo, necesitamos inscribirlo.

Esto es algo que tiene un valor profundo y una implicación profunda de la representación visual. Y el conocimiento y el lenguaje de lo que es en sí la creación artística. La creación de arte, la creación de marcas en el arte nos permitió convertirnos en los humanos que ahora somos y todavía lo sigue haciendo. Entonces, para mí, de forma simple, de forma muy modesta, sólo le estoy dando una representación física a lo que veo. Y no importa cómo se capte: en fotografía, en video, en dibujo, en pintura. ¡En una canción! Estaba pensando en Nina Simone. Pinto muchas cosas y la escucho. Y encuentro ese tipo de representación gráfica de la emoción de su corazón, a través de lo que evoca su voz. Entonces, de alguna manera quiero hacer eso con mi modesto intento de hacer una inscripción. Porque no importa si es una pincelada o si dejo caer una botella entera de tinta sobre el papel y empiezo a partir de ahí. ¡Lo cual hago a menudo! Esto captura gran parte del mapa abstracto en el cerebro. Sigo pensando que todo gesto único que cualquier artista visual haya inscrito en cualquier forma es un autorretrato."

 El Proceso de Creación

Esta conversación fue editada por cuestiones de claridad y concisión.

"Mi nombre es María Magdalena Campos-Pons y esta conversación es sobre la exhibición Sea and Self (El Mar y Yo). Siempre les digo a las personas cuando me preguntan sobre fotografía, recuerden que no soy fotógrafa. Utilizo fotografías y utilizo métodos. Concretamente, tengo muchos más trabajos fotográficos que hago pero que no sirven. Ahora, uso muchos de esos con acuarela, témpera y tinta.

Pero cuando estaba empezando a utilizar las fotografías Polaroid (las cuales conocí en 1988 cuando estaba en la Universidad de Arte y Diseño de Massachusetts) cuando regresé a la cámara, me fascinaba el espacio que se me abría, al cual llamo la capacidad de desempeño de la cámara. Cualquier cámara tiene esta capacidad. Porque es un instrumento, una máquina que produce algo y tiene ciertas condiciones para hacerlo. Pero había algo en la posibilidad de lo que llamo construir la fotografía. Construir la fotografía en el momento de lo que va a pasar. Lo que para mí hizo la fotografía Polaroid fue este increíble momento en el que no sólo actúo, pinto en el estudio, esculpo. Entonces, con toda mi destreza y herramientas construyo esta fotografía. Creo instalaciones enteras en espacios que son como un pequeño plató, en el cual a veces mi cuerpo en la escena está en la condición más precaria. Recuerdo estar acostada sobre una mesa, con el pelo suelto (era más joven, con las piernas levantadas en el espacio [risas], ahora no puedo hacerlo). Pero para las personas que ven el conjunto, [construir estas fotografías] es como toda una duración de representaciones y de posiciones peligrosas. Todo eso para crear esos pequeños cuadros, esos pequeños fragmentos que constituyen el todo.

Entonces, [trabajar con las fotografías Polaroid] fue una práctica muy rica e intrigante. Para mí, las Polaroid ofrecen realmente la capacidad de desempeño e inmediatez. Trato las fotografías Polaroid casi como a una acuarela: podría modificar esto ahora mismo; podría cambiarlo en este momento y llevarlo al lugar que quiero. No necesito esperar. Sucede en un instante.

La mayoría de las superficies de mis fotografías Polaroid son acuarelas y tintas grandes sobre papel. Al principio [de mi carrera] las deseché todas, pero ahora están ahí enrolladas esperando. Puede que algún día las tome, las extienda y las vuelva a pintar. ¿Quién sabe en que se convertirán? Pero me encanta la oportunidad inherente en eso, y la transición que estoy haciendo ahora es que tomo mis fotografías digitales y luego las imprimo en papel para acuarela y literalmente las destruyo o las modifico. Pinto sobre el papel antes de imprimir en la parte superior del papel y, a veces, reimprimo después de haber impreso y pintado sobre él.  Barnizo y coloco capas a todo este material.

Pienso mucho en lo que tengo disponible en mi tiempo que lo marca con intención. ¿Cuál es la conversación que quiero tener con las herramientas de mi tiempo? Pero me encanta pensar que los colores se desvanecen, las acuarelas se desvanecen o las fotografías se desvanecen como nosotros [como humanos] nos desvanecemos. Obtenemos pequeñas marcas del tiempo [que transcurre]. Y esta condición efímera y momentánea está presente en las fotografías Polaroid y en la realización de las mismas y en la elaboración de cualquier fotografía: ese momento, esa luz que está ahí y luego la capturas, sin embargo ya pasó, es fugaz. Me encanta eso. La “permanencia” de la acuarela, la “permanencia” de la tinta, la “permanencia” de la témpera, o la “permanencia” de todos estos materiales.

Lo que hice en Sea and Self [en Un Pedazo de Mar]: había tantas escenas difíciles y la gente ha sido testigo de tantas cosas terribles. Para mí, cada obra es una oración, cada obra es una marca de algo en lo que puse todo mi corazón [para preguntar] ¿cómo podemos mejorar un poco todas estas situaciones?"